Спустя почти четыре месяца карантина Русский музей открылся для посетителей. А 29 июля там начнет работать юбилейная выставка «Художники и коллекционеры — Русскому музею. Дары. 1898–2019. Избранное». Она была смонтирована к 125-летию музея еще в апреле, но из-за пандемии ее открытие было перенесено. Экспозиция объединила памятники разных эпох, подаренные музею с момента его основания и до конца ХХ века: на выставке представлены как древние иконы, отданные в дар императором Николаем II, так и картины современных художников, подаренные коллекционерами или самими авторами.
По просьбе «Бумаги» независимый куратор Лизавета Матвеева рассказывает о молодых художниках, чьи произведения находятся в коллекции Государственного Русского Музея и представлены на выставке.
Партнер материала
Банк ВТБ стал членом Международного общества «Друзья Русского музея» в 2002 году и с тех пор поддерживает ключевые проекты музея. В партнерстве с банком состоялись выставки Николая Рериха, Василия Верещагина, Кузьмы Петрова-Водкина, Константина Сомова, Ильи Репина, а также масштабный проект «Экспрессионизм в русском искусстве». В 2020 году ВТБ стал генеральным спонсором выставки, приуроченной к 125-летию со дня основания музея. Это проект «Художники и коллекционеры — Русскому музею. Дары. 1898–2019. Избранное».
Татьяна Ахметгалиева. Советское прошлое и глянец в рисунках из ниток
Работы петербургской художницы Татьяны Ахметгалиевой можно узнать благодаря авторской методике вышивания, или вернее сказать — рисования с помощью ниток. Их наслаивание преобразует плоскостные произведения в объекты и часто — в инсталляции.
«Бомба замедленного действия» — тот самый пример, где изображение стремится за границы плоскости и художница переводит свою «паутину» в объем. Серия работ, куда входит это произведение, — часть проекта «Аллергия на пыль», показанного в 2014 году в Галерее Марины Гисич. Эта выставка была посвящена запутанным информационным потокам и противостоянию человека и медиапространства.
Ощущение ежедневных манипуляций со стороны СМИ и социальных сетей Ахметгалиева перевела на язык переплетающихся шерстяных нитей, которые окутывают полыхающие огнем средства связи, качающиеся люстры и мерцающие телевизоры. Рябь электромагнитных волн в ее работах обрела поп-артовский неоновый окрас — художница совместила советский допотопный дизайн монохромных телевизоров с капиталистической эстетикой рекламных таблоидов и глянцевых журналов, чье резкое появление в 1990-х остро ощутили на себе художники-миллениалы.
Константин Бенькович. Тюрьма, ирония и злость в произведениях с политическим подтекстом
Константин Бенькович работает с металлом и арматурой. Ключевой метод художника — взять яркий, знакомый широкой публике и часто спорный образ и перевести его на язык решетки. Это главный постмодернистский сюжет, в 1985 году его описала в своей статье американский искусствовед Розалинда Краусс. Но кроме этой не всем очевидной концептуальной отсылки, в работах Беньковича сложно проигнорировать ассоциации с тюрьмой, заключением, агрессией, злостью и бессилием. Хоть иногда его произведения и не лишены иронии — до решетки упрощаются и Дональд Дак, и уточка, и Скрижали Завета.
В произведении WTC (World Trade Center) Константин Бенькович изображает башни-близнецы и врезающиеся в них самолеты. Событие, разделившее жизнь человечества на «до» и «после», расползлось по медиапространству множеством изображений, которые плотно отпечатались в коллективной памяти. И как раз большая часть произведений Константина Беньковича строится на подобных сложных образах, часто вызывающих неприятные воспоминания и чувства.
Помимо работы с памятью и травмой художник активно препарирует современность. Он один из немногих, кто оперативно реагирует на актуальные события в России, — делает арт-объекты и размещает их в городской среде. Последняя подобная работа — по случаю голосования по поправкам к Конституции. Бенькович поместил диптих «Тридцать сребреников» и «Дерево Иуды» возле здания Конституционного суда в Петербурге. На тротуаре у двери суда лежали 30 монет, а напротив появилась импровизированная виселица — петля на дереве. Подобные работы художник фотографирует и размещает в соцсетях, таким образом, даже если произведение демонтируют, оно навсегда останется в коллективной памяти интернета.
Влад Кульков. Философия и взаимосвязь вещей в абстракциях
Влад Кульков — художник, про которого можно было бы сказать, что он обращается к традиции абстрактного экспрессионизма, но это только упростило бы его практику. Да, графика и живопись Кулькова напоминают нам и о Виллеме де Кунинге, и об Арчиле Горком, и о Джексоне Поллоке. Но работы Влада являются частью идеологии художника, иллюстрацией его интереса как к древним ритуалам, маскам, так и к философской мысли.
Использование биологических образов, намеренно «землистые» цвета — Кульков кажется ближе традиции органической культуры, которую разрабатывал товарищ Казимира Малевича Михаил Матюшин. Барочные вихри кругообразных движений, «завитушки», напоминающие переплетения корешков, наслоение штрихов, переходящих в моховую пушистость, — словно автор пишет пейзаж или даже портрет лесной местности.
Произведение как объект играет важную роль в практике художника, но большое значение также имеет процесс подготовки, «вынашивания» идеи, создания работы и способ ее экспонирования. В своих произведениях Кульков напоминает о взаимосвязи всего со всем: природы и человека, города и села, неба и земли, воды и огня, — такая же взаимосвязь существует между разными этапами художественного производства.
Возможно, кто-то скажет, что в своих произведениях Влад Кульков прибегает к технике автоматического письма, то есть кисть сама ведет его руку, но даже в таком автоматизме он сохраняет точность и уверенность в каждом жесте, последовательности действий и цельности авторского высказывания.
Ася Маракулина. Повседневность и воспоминания о детстве
Работы Аси Маракулиной отличаются особой деликатностью и пристальным вниманием к деталям. Получив образование художника-мультипликатора, Маракулина работает не только с анимацией, но и с графикой, живописью, текстилем и даже пением и поэзией. И надо отметить, что практика художницы — это визуальная поэзия в целом.
Ася Маракулина осмысляет пространство внутреннего и внешнего, физического и эфемерного, реального и виртуального. Ее графика — это картография перемещений и пространств, фиксация троп повседневности, детских травм и фантазий. Пунктиры, штрихи и точки, пятна, подтеки роятся и рассыпаются по плоскости листа, холста, экрана или ткани, чтобы собраться в ландшафт на грани между воображаемым и реальным.
Все проекты Маракулиной имеют отсылку к ее личному опыту. При этом необязательно знать подробности этих перипетий, чтобы понять, насколько персонализированы и часто интимны работы автора. Отделить художницу от ее произведений становится всё сложнее — практика Маракулиной распространилась даже на ее одежду. Всё чаще ее можно встретить в платье собственного дизайна, по которому рассыпаются и разбегаются пунктиры, линии, лучи и точки, повторяя рисунки художницы.
Кроме нарастающего интереса к текстилю и вышивкам, Ася Маракулина испытывает особый трепет к клубням картофеля: она собирает их, рисует, составляет натюрморты, сушит, сажает, разводит, фотографирует, делает видео и анимации с ними. Клубни порождают множество интерпретаций: они трансформируются в многоэтажные дома, персонажей и целые города и планеты. Сложно представить себе более трепетное отношение к объекту художественного исследования.
Константин Новиков. Бодипозитивные скульптуры
Петербургский скульптор Константин Новиков окончил кафедру монументального искусства по специальности «Скульптура» Государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица. Работы Новикова — это ироничное осмысление взаимодействия формы и содержания. Простые, понятные каждому образы находят воплощение в таких же простых материалах, чьи тактильные и визуальные качества подчиняются замыслу автора.
«Кирпичи» черного хлеба из ржавого чугуна, колокол из каучука — скульптуры Константина мимикрируют под настоящие объекты, порой этот визуальный обман невозможно сразу обнаружить. В беззвучный колокол Новикова, к слову, пытался «позвонить» Дмитрий Медведев на Селигере, где эту работу художник показывал в 2009 году. Скульптура сразу приобрела политическую и остросоциальную окраску и была названа символом 2000-х и характерного для того времени напряженного ожидания неизвестного.
Работа «Пластика сущности» сегодня тоже обретает более актуальное звучание. Используя язык феминизма, эта скульптура — олицетворение идеи бодипозитива. Сам автор говорит об уникальности всего, что сотворено природой, о неповторимости характера и формы каждого из нас. Эту скульптуру можно было бы назвать портретом человека до трансформации его тела множеством косметических и хирургических способов. Это образ данного нам «пластилина», из которого мы сами себя «лепим».
Максим Свищев. «Мутанты цивилизации» из полимерной глины
Максим Свищев — петербургский автор, которого принято причислять к художникам новых медиа. Однако его практика выходит далеко за рамки цифрового искусства. Художник много работает именно с компьютерной графикой, анимацией, 3D-моделированием, но он также создает трехмерные объекты как с использованием 3D-технологий, так и более традиционными «ручными» способами.
Диджитал-работы Свищева часто построены на контрасте между урбанистическим пространством и населяющими его футуристическими яркими скульптурами-персонажами, сгенерированными из элементов эмодзи, компьютерной графики, пластиковых игрушек и природных образов. Переходящие в реальность объекты-существа, или, как их называет сам художник, «мутанты цивилизации», не утрачивают свою гиперболизированную абстрактную мультяшность. Наоборот, они вступают в еще более обостренный диалог с окружающим миром.
В произведениях Максима Свищева цифровая реальность выходит за пределы диджитал-пространств, перетекает на территорию традиционной визуальной культуры и становится результатом смешения различных факторов, влияющих на восприятие человека: интернета, телевидения, социальных сетей, гаджетов, новостей и прочих составляющих нашей современности.
Пусть эти цифровые персонажи, даже если они воплощены в материале, и напоминают нам вымышленных существ, художник закладывает в них идею пластики живой природы и противопоставляет их образу мегаполиса как источника стресса и нетерпимости. Максим Свищев наделяет свой технологический мир качествами живого, стремится сохранить это «живое» в холодной обезличенной компьютеризированной среде, предлагая сценарий будущего, противоположный миру биороботов.
Леонид Цхэ. Фантазия и повседневность в произведениях на холсте
Леонид Цхэ известен не только своей экспрессивной живописью и графикой, которую активно выставляют как в Петербурге, так и в Москве, но и своим опытом преподавания в Академии художеств. Мы должны сказать ему спасибо за целый пул молодых студентов и выпускников Академии, продолживших свою практику далеко за пределами традиционного художественного подхода и органично влившихся в актуальную арт-среду Петербурга.
Леонид Цхэ — выпускник графической мастерской Андрея Пахомова, сына классика советского искусства Алексея Пахомова. Графическая манера Цхэ быстро стала узнаваемой. Свойственная ему экспрессивная надрывная линия кочует с листа бумаги на холст. Живопись отличается эффектом недосказанности, недовыявленности. Сюжеты часто взяты из жизни, детских воспоминаний, наблюдений за окружающим миром и смешаны с фантазийными виртуальными образами.
Кроме связи с Академией Цхэ также имеет непосредственное отношение к группе художников «Север-7» — вместе с ними он начал свою перформативную деятельность. На встречах с членами коллектива он делал зарисовки, что постепенно переросло в практику «перформативного позирования и активного рисования». Такие сессии стали альтернативой академическим учебным постановкам — позирующий, по сути, делает перформанс для круга рисующих его художников, участники могут меняться местами, использовать самый разный реквизит для позирования, вместе обустраивать сцену, разрисовывать тела и лица друг друга, подбирать одежду. Сейчас такие сессии часто проходят с участием множества художников на всевозможных выставках или просто в городской среде.
«По дороге на работу» можно было бы отнести к более раннему периоду творчества художника, когда его живопись обладала большими качествами недосказанности и графичности линий. Сегодня Цхэ больше уходит в сторону живописности своих работ, экспрессивности, наслоения, увеличивая и масштаб произведений. Кроме того, художник, не так давно став отцом, всё чаще обращается к темам детства, отцовства, воспоминаний. Но Цхэ не из тех, кто таким образом взывает к своим травмам, он скорее возвращает прошлое, наблюдает его со стороны, как герой фильма про путешествия во времени.
Даты: 29 июля — 14 ноября
Место: Корпус Бенуа Михайловского дворца, Мраморный дворец, Михайловский замок, Строгановский дворец
Стоимость билетов: от 300 рублей
